Digitale Theaterforschung

Schaut man sich die Produktionsformen der Stadt- und Staatstheater im deutschsprachigen Raum an, so stößt man dort auf den vorherrschenden Typus einer in ungefähr sechs Wochen zustande gekommenen Theaterproduktion, deren künstlerischen Entscheidungen in aller Regel eine große Zahl außerkünstlerischer Entscheidungen zugrunde liegen, die von Künstlerinnen und Künstlern wie Publikum als Voraussetzung mehr oder weniger stillschweigend akzeptiert und nicht weiter zum Thema erhoben werden. Doch die außerkünstlerischen Vorentscheidungen bestimmen in entscheidender Weise mit, was auf der Bühne später zu sehen ist: Ein bestimmter Ablauf der Produktion folgt weniger den Wünschen der daran Beteiligten als vielmehr den Gepflogenheiten, Gewohnheiten und Notwendigkeiten der Häuser. Die Auswahl der Schauspielerinnen und Schauspieler gehorcht häufig weniger künstlerischen als organisatorischen Gründen. Die für die Produktionen gewählten Räume verdanken sich nicht so sehr einer eigens getroffenen Entscheidung als vielmehr einer durch die architektonischen Gegebenheiten vorgegebenen Notwendigkeit: Theaterräume, die für ein bestimmtes historisches Publikum, sein Theater, seine Stücke, seine Ästhetik und seine politischen Erwartungen gebaut wurden, müssen in der Gegenwart auf irgend eine Weise mit neuem Leben gefüllt werden, auch wenn sich die Bedingungen wie die Funktion der Theater in den Städten zum Teil vollkommen verändert hat: Man muss die große Bühne bespielen oder braucht noch etwas für das Kammertheater. Ausnahmen bestätigen die Regel.

Gegen die in dieser Weise vorbestimmten Produktionsweisen richteten sich verschiedene, bereits historisch zu nennende Revolten im 20. Jahrhundert: Künstlerinnen und Künstler flüchteten aus der Institution, suchten andere Räume auf, setzten längere Probezeiten durch oder gründeten eigene Truppen, die in der gleichen Formation über Jahre und Jahrzehnte hinweg eine eigene Ästhetik und Theatersprache entwickelten. Solche Revolten gegen den „Betrieb“ lassen sich etwa mit den Namen Appia, Brecht, Artaud, Grotowski, Brook, Mnouchkine, Wilson, Le Compte und Szeiler im historischen Kontext, aber auch mit vielen freien Gruppen, die aus dem Umfeld der 68er-Bewegung, aus Kunstakademien oder Theaterhochschulen wie DasARTS oder PARTS hervorgegangen sind, verbinden. Während der Wunsch nach anderen Produktionsweisen heute in Deutschland zu den Hauptgründen dafür zählt, dass sich Künstlerinnen und Künstler gegen eine Arbeit an den hochsubventionierten Häusern und für eine Arbeit in der „freien Szene“ entscheiden, stellen diese anderen Produktionsweisen in Ländern ohne eine der deutschen vergleichbare Subventionskultur die Regel dar – zumindest unter den Theatermachern, die nicht vorrangig mit dem Ziel einer kommerziellen Vermarktung ihrer Inszenierung arbeiten.

Im Rahmen einer Ringvorlesung sollen im Sommersemester 2015 verschiedene künstlerische Ansätze vorgestellt, analysiert und diskutiert werden, in deren Mittelpunkt der Versuch steht, anders zu produzieren: In Gestalt des Versuchs, kollektive Arbeitsstrukturen umzusetzen, über längere Zeiträume hinweg, in Gruppen, die sich eine freie künstlerische Arbeit durch Brotjobs finanzieren, die ihnen ein von den Zwängen der Institutionen unabhängiges Produzieren erlauben, etc. Dabei sollen einerseits diese anderen Praktiken beleuchtet werden, andererseits aber auch nach deren gesellschaftlichem, politischem und historischem Hintergrund gefragt werden: Wie hat sich generell die Arbeit im Bereich der darstellenden Künste verändert? Inwiefern liegt das Politikum heutiger Theaterarbeit nicht zuletzt in der Art und Weise, wie sie produziert wird? An welche historischen Avantgarden knüpfen heutige Künstler ihrem Selbstverständnis nach an? Worin bestehen ihre Revolten und wie lassen sie sich mit den nicht minder harten Zwängen des Arbeitens im freien Bereich verknüpfen? Eingeladen werden sollen zu dieser Ringvorlesung sowohl Künstler wie auch Theoretiker, darunter neben solchen aus dem deutschsprachigen Bereich auch solche aus dem Ausland.